miércoles, 30 de noviembre de 2011

No es una cámara de bolsillo...


Hola y saludos a todos!! En mi primer entrada en el blog quiero compartir con todos ustedes una noticia, que si bien no es del todo enriquecedora a la hora de hablar de ARTE (en cuanto a composición o creación de una imagen), también cabe destacar que este concepto es muy discutible... por lo que considero que este aficionado a la fotografía tuvo al menos algo de ARTE a la hora de crear esta “pequeña” cámara fotográfica.... a demás de un poco de tiempo y una pizca de dinero a la hora de elaborar este artilugio.

El fotógrafo aficionado Darren Samuelson crea una cámara gigante de cinco metros de altura y casi dos de largo, pesa 70 libras, utiliza hojas de rayos X para capturar, y cada disparo puede tardar unos 15 minutos.

Lejos de la obsesión por el tamaño y cantidad de magepíxeles, el fotógrafo aficionado Darren Samuelson, de la ciudad de San Francisco (Estados Unidos), ha creado una cámara que tiene 1,50 metros de altura (con trípode), 1,80 metros de ancho y pesa casi 32 kg. La cámara es capaz de registrar imágenes nítidas en paneles de hasta 9 metros.

Según la publicación Popular Science, el valor total de la inversión en la creación de la cámara fue de aproximadamente unos 2000 €. Para crear su proyecto de cámara, Samuelson demoró unos siete meses y contó con la ayuda de un programa especial para ordenador para el diseño del modelo.

Para tomar la foto, basta con entrar debajo de la tela que cubre la parte trasera y alinear la lente, de 1210 mm de Nikkor, y después insertar la placa de rayos X para registrar la imagen. Para las fotos en blanco y negro , es necesario apenas 15 segundos para la reproducción, pero en casa de Darren hay un pequeño laboratorio para insertar colores que lleva más de 15 minutos.


Darren's Great Big Camera from MATTHEW SULTAN on http://vimeo.com">Vimeo.



Si bien el video está en inglés, espero que hayan podido disfrutarlo. Hasta la próxima...

                                                                                                                                                Demis

La Camara Oscura

¡Hola a todos! Esta es mi primera entrada en el blog, en la cual quiero hablaros de la "cámara oscura" y compartir esta información con vosotros puesto que la veo realmente interesante. Mi compañera May ha hablado sobre su experiencia con ella, yo tenia pensado hablar sobre su funcionamiento, mostraros algun ejemplo del fotografo Abelardo Morell y explicar como se hace por si os animais alguna vez. ¡¡Espero que os sea de gran ayuda y saqueis buenas ideas!!
La cámara oscura puede ser un recipiente o una caja con la que se puede obtener una proyección plana de una imagen del exterior sobre el interior de su superficie donde va colocado el papel fotográfico. Se le conoce como cámara oscura por el hecho de que su interior está pintada de negro y no entra nada de luz por ninguna parte, excepto por un agujero. Este agujero suele ser de unos 0,5 mm, el cual  funciona como una lente y es el que proyecta  en la pared opuesta,la imagen del exterior invertida, tanto vertical como horizontalmente.
Aqui os muestro un ejemplo de cámara oscura.



Los artistas utilizaron esta técnica, mucho antes de que se inventase la película, para esbozar escenas proyectadas por la cámara.
Leonardo Da Vinci y Alberto Durero fuerón uno de los grandes artistas que la utilizaron.
En la actualidad, el fotógrafo Abelardo Morell , como he mencionado antes, trabaja con este sistema convirtiendo oscuras habitaciones en paisajes mágicos.
Aqui os dejo algunos ejemplos de sus obras fotográficas.


Una imagen invertida del Central Park de Nueva York en otoño.

 La fachada bizantina de la veneciana basílica de San Marcos.

Imagen del puente de Brooklyn y el sur de Manhattan.

Estos son algunas de las obras de Abelardo Morell , las cuales han sido captadas con la técnica de la cámara oscura, oscureciendo una habitación y abriendo un pequeño orificio para la luz dejando que entre el mundo exterior.

Os habreis dado cuenta que algunas de sus obras ¡no estan invertidas!. Esto se debe a que el fotógrafo utilizó un prisma para girar la imagen invertida.

Os animo a que experimenteis con esto por que se pueden lograr cosas muy curiosas y grandes efectos como por ejemplo este:


Esta fotografia del puente de Brooklyn adquiere una textura más granulada por que Morell la proyectósobre la superficie alquitranada de una azotea.Convirtió una tienda de campaña sin suelo en una cámara oscura. Lo que produce, en palabras del propio Morell, «un efecto de algo antiguo».

Ya no me enrollo más, espero que os haya parecido interesante y por último dejaros un enlace de como fabricar vuestra propia camara oscura!


Un saludo para todos y espero que os haya gustado, Carmen Carral Pérez

Animaciones

En mi primera entrada he decidido hablar de la animación digital por ordenador.
No se me ocurre otra forma mejor de empezar que con una pequeñas introducción.
La animación digital es una técnica que consiste en crear imágenes en movimiento mediante diferentes programas de ordenador. Los más utilizados en la actualidad son los desarrollados por una empresa llamada Autodesk.
Para crear la ilusión del movimiento una imagen se muestra en pantalla sustituyéndola rápidamente por un fotograma diferencia.
Cada vez son más las películas con gráficos creados en 3D, pero el 2D también sigue teniendo mucho éxito.
El proceso de 3D se hace mediante un modelado por ordenador y posteriormente las animaciones en 3D se unen en un esqueleto virtual. Para crear a una persona en 3D se modela la cara, los ojos, la boca, el cuerpo, etc del personaje y después se anima con controladores de animación.
En la mayoría de animaciones hay un animador que crea una versión simplificada de el aspecto del personaje, así tiene menos dificultad para ser animada. En personajes bípedos o cuadrúpedos gran parte del esqueleto pertenece a huesos reales, de esta manera se consigue animar las facciones de una cara por ejemplo.
También existe otra técnica de animación más realista denominada captura de movimiento, que requiere de un actor que se vista con un traje de sensores, siendo captados sus movimientos y registrados en el ordenador para luego incorporarlos al personaje.

Finalmente me gustaría hacer una recomendación personal de una página que encontré hace meses en las que personas de distintas partes del mundo exponen sus animaciones:
Aquí os dejos mis tres animaciones favoritas:










Espero que os haya gustado, Alicia Barroso Díaz.

Yo lo llamaría.... FRIK-DA!!

Sí, ¡el último invento para la cámara de nuestro iPhone! Desde hace más de un año en el mercado hay objetivos de distintas distancias focales de "quita y pon" para nuestros iPhone's, no sé si lo sabíais. Pero lo último llega ahora! 
Una carcasa con tres objetivos distintos para su cámara. En Photojojo venden desde hace pocos días una curiosa carcasa para el teléfono de Apple. Con ella podemos añadir tres tipos de objetivo a la cámara de los iPhone 4 y 4S: ojo de pez, angular y tele.


El estrafalario invento, que es una especie objetivo de focal variable para el smartphone de la firma de Cupertino, cuesta 250 dólares.

¡Mañana me compro uno! jajajaj (modo irónico ON)

Un saludo!

JUMGER

PIXAR

Bueno chicos, he visto el post de mi compañera Laura que iba sobre cortos, y me acordé de unos cortos que vi en la clase de audiovisules hace unos años y que me gustaría compartir con ustedes. Son de animación pero no tienen desperdicio ninguno. 
Como ya sabeis la compañía PIXAR Animations Studios es una compañía de animación por odenador especializada en la producción de gráficos en 3D y con sede en Emeryville, California (Estados Unidos). A lo largo de su exitosa historia ha cosechado numerosas condecoraciones por sus cortometrajes, largometrajes y logros técnicos, como 22 premios Oscar de la Academia, 4 Globos de Oro o 3Grammys.

Pixar fue la creadora del primer largometraje comercial totalmente animado por ordenador, Toy Story, cuyo estreno tuvo lugar el 22 de Noviembrede 1995 en Estados Unidos. Después de Toy Story ha producido otras 12 películas: Bichos una aventura en miniatura (1997), Toy Story 2 (1999), Monster, inc. (2001), Buscando a Nemo (2003), Los Increibles (2004), Cars (2006) Ratatouille (2007), WALL-E (2008),Up (2009), Toy Story 3 (2010), Cars 2 (2011), Brave (2012) y Monsters University (2013)

El 24 de Enero de 2006, la compañía Walt Disney acordó comprar Pixar por 7.400 millones de dólares con una transacción sobre todas las acciones (all-stock). La adquisición fue terminada el 5 de Mayo de 2006(intercambiando a Pixar por 2.3 partes de Disney), haciendo a Pixar una subsidiaria completamente de Disney.

Aquí os dejo algunos cortos, espero que lo disfruten! 




Me considero fan incondicional de las peliculas de dibujos animados, así que le dedico este post a todas esas personas que conservan ese niño en su interior y que se sienten orgullosas de ello!

Paloma Ruiz

Fotografía ESTENOPEICA

¡Hola a todos!
Mi primera publicación en el blog se la quiero dedicar a esas semanas cargando con una caja, escaleras arriba, cuarto de revelado, sobreexpuesta, subexpuesta, movida…y volver a empezar.
Aunque fuese un poco desesperante quiero compartir mi experiencia en el Módulo Medio de Laboratorio  con vosotros porque salvo dos compañeros más no la habéis vivido.
Han pasado unos años y volviendo a escuchar  toda la teoría de la luz como incide en los haluros de plata etc. Recuerdo el momento de mi primer revelado con “éxito” en ese cuarto tan pequeño con sólo la luz roja.
Después de muchos intentos (tiras de prueba) sin logros, aparece de la nada tu fotografía, mejor o peor pero es un momento mágico.
Recuerdo que todos ilusionados nos enseñábamos las fotografías como si fueran verdadero arte, la ilusión de esa primera imagen, con una caja, revelándola tu…fue una gran experiencia, aunque llevó a la desesperación a algunos de mis compañeros.
En estas fotografías os muestro mi Estenopeica.  La conservo bien guardada aunque sepa que lo más probable es que no vuelva nunca a tomar una fotografía, aunque tenga su magia me quedo con la tecnología digital.



Tras muchos intentos tirando mucho papel fotográfico conseguí hacer mi primer negativo con una exposición correcta.
La toma la realicé a las 17:30, un día soleado, con pocas nubes y sombras muy duras, es más si os fijáis en la esquina inferior izquierda veréis la sombra de la caja.
El tiempo de obturación de la cámara fue de 18 segundos, como podéis observar mi compañero era un buen modelo sale bastante nítido tras un tiempo de exposición elevado.



 
Ya solo quedaba el positivado de la imagen utilizando una ampliadora y poniendo emulsión sobre emulsión nuestra fotografía con un papel nuevo, en blanco.




Espero que os hayan gustado las fotografías hechas por mi cámara de cartón.





Saludos, MªCarmen Rodríguez Prieto (MAY)

Cortos de interes

Aquí os dejo dos cortos que vi hace tiempo y que ambos me gustaron bastante... quizás alguno ya lo habeis visto, pero para aquellos que no, os aconsejo que lo hagais, merece la pena...




Espero que os guste, porque a mi me encantan.

Laura Falcone

The Art of Flight


The Art of Flight.

Como cada año la famosa marca de bebida energética “Redbull” ,patrocinador de diversos deportes extremos, nos muestra su nueva campaña “ The Arto  Fligth ”, esta vez relacionada con los deportes de invierno, específicamente el snowboarding.

Redbull no solo ha realizado una simple campaña, si no que nos sorprende con una impresionante realización grafica, utilizando un material audiovisual de última tecnología, se ve que también le va el riesgo y no le tiembla el pulso a la hora de no escatimar en recursos para deleitarnos con este magnifico reportaje.

Aquí os la dejo para que ustedes mismo opinéis, espero que disfrutéis de estas imágenes de vértigo y la locura llevada al extremo de estos deportistas, aprovechad la maxima calidad que nos permite el video, estos magníficos paisajes no tienen desperdicio.




Espero que hayáis  disfrutado con estos locos del deporte extremo.

Alejandro Fernández

martes, 29 de noviembre de 2011

Una imagen miente más que mil palabras

“ … debemos buscar lo universal en cualquier tema, aquello que revela el mundo entero en una gota de agua. Porque una gota de agua contiene al mundo, pero hay que saber encontrar el mundo en una gota de agua.”
                                                                                            (Ryszard Kapuscinski)


¿Cómo una imagen es capaz de concentrar la esencia de una década, de una revolución, de un momento, de una vida? El maestro Kapuscinski nos da una pista; no sólo se trata de mirar, también (y sobre todo) debemos hacer el esfuerzo de ver. Nos dicen, y quizás sea verdad, que una imagen vale más que mil palabras. Y tanto valen que hay imágenes que tienen más fuerza que mil tanques, sucedía en Vietnan, 8 de junio de 1.972: 





Es posible que la fotografía de Huynh Cong Út marcara un antes y un después. El poder de la imagen resultó devastador y dobló el pulso del gobierno de Estados Unidos. Desde ése momento el poder de la imagen se presenta como un poder capaz de cambiar el rumbo de la historia. Y aquí el título de esta entrada. ¿Es compatible hacer convivir las 2 frases?:

"Una imagen vale más que mil palabras"
"Una imagen miente más que mil palabras"

Y aquí dejo la duda que otros han creado, lo hago con otra imagen, difícil no recordarla. Cae el régimen de Sadam Hussein, abril del 2003. Estados Unidos prepara cuidadosamente el final de una guerra. ¿Fue casual que la estatua elegida estuviera frente al Hotel Palestine, el hotel en el que se alojaba la prensa internacional? ¿fue casual que allí estuvieran alojados algunos de los corresponsales de las principlaes televisiones del mundo? ¿fue casual que en los jardines del hotel estuvieran aparcadas las unidades DSHGs con las que las televisiones informaban al mundo en directo? ¿fue casual que todo ocurriera bajo la luz del día, 5 de la tarde en Eueopa, 10 de la mañana en los Estados Unidos?
Las casualidades no existen ........ o sí. Una imagen, no lo olvidemos, puede mentir más que mil palabras.

Autor: Pablo Carrasco Brioso

El Arte es un arma cargada de futuro.





¡Buenas a todos! ya era hora de escribir mi 1ª entrada al blog y compartir información interesante con todos vosotros.Por si no lo sabeis este més, es el més de la Danza, y la Danza junto con el teatro y la fotografía, forman una parte de mí.

Probablemente la gente vea más fotos de danza (en la publicidad sobre todo) que espectáculos de danza en sí. Y para fotos de danza, sin duda, uno de los buenos fotógrafos sería ,Roy Volkmann, estadounidense,bailarín de Jazz,Ballet y fotógrafo. Comenzó su andadura en la fotografía sobre los años 70, para él la fotografía artística "es un medio de expresión complejo que puede llegar a la retina con las formas, los movimientos, la luz y el instante".


 

Captura la gracia del movimiento, y nos enseña las simetrías que se generan entre los cuerpos, muchas veces desnudos pero la percepción del desnudo se translada a un segundo plano por la elegancia y equilibrio de las instantáneas que el creaba, ni más ni menos.Su experiencia como bailarín le aportó  excelentes resultados como fotógrafo.Sus puestas en escena son espartanas, las luces le sirven para destacar musculaturas, apenas rostros, sombras... para mí es increible lo que éste artísta consigue.




Si os ha interesado mi breve información podeis seguir "bicheando por internet" o entrar en su página web oficial: http://www.royvolkmann.com/

Un saludo 
¡Espero que os haya gustado!                                                                           Fdo: Susana

Mi primera Fotografía

Quiero compartir con vosotros el momento en el que hice mi primera Fotografía (con mayúsculas). Ya llevaba más de 10.000 fotos echas cuando la hice, pero fue la primera vez que sentí que estaba creando lo que yo quería expresar. 
Os pongo en antecedentes: era una tarde de Octubre del 2009 con una luz preciosa. Justo era el día en que abrían la Plaza de España al público después del largo período de reformas, y estaba llena de turistas y sevillanos que querían volver a disfrutar de su amada plaza. Yo estaba como un niño con zapatos nuevos dando vueltas por la plaza y haciéndole fotos a todo lo que se me antojaba con mi flamante Canon EOS 450D, de la que guardo muy gratos recuerdos. De repente, en una de las escaleras veo a un hombre que parece drogado o borracho, a punto de caerse. Realmente lo más ético en aquel momento habría sido socorrer a ese hombre, pero lo cierto es que me dio algo de miedo su posible reacción y me quedé mirando desde lejos. Muchas personas pasaban por su lado y nadie le prestaba la mínima atención. Es cómo si no estuviera allí o fuera invisible. Yo no podía dejar de mirar la escena y sentí que ese hombre estaba tocando fondo. De repente me dije: "voy a fotografiar eso, un hombre que toca fondo". Me quedé pensando unos 10 minutos sobre cómo hacer la foto  hasta que al final disparé. Esta es la foto:


Antes de hacerla, pensé varias cosas: quería que estuviese muy bien compuesta (algo que muchas veces me obsesiona), quería que fuese lo más simple posible y quería que contase una historia. Os voy a explicar lo que quise comunicar en esta foto (algo que un buen fotógrafo no debe hacer nunca, ya que sus fotos tienen que hablar por si mismas), así que esto es algo muy personal e íntimo. 
Respecto a la composición:  el motivo principal se encuentra en un punto fuerte de la imagen, cumpliendo a rajatabla la regla de los tercios. Los tres escalones inferiores dividen la escena en dos rectángulos. El superior es un rectángulo áureo. Las líneas que forman las escaleras superiores dirigen la atención hacia el sujeto principal. Sin embargo rompe intencionadamente una regla, y es que el sujeto principal debe mirar hacia donde hay más aire en la escena. 
La imagen representa a un hombre que ha tocado fondo. Los escalones representan las etapas de la vida a las que este hombre ya no puede aspirar porque ha perdido hasta la esperanza (casarse, tener hijos, un buen trabajo, nietos...) Es por eso que el sujeto no mira hacia donde hay más aire en la escena, porque eso representa el progreso al que el ha renunciado. Le da la espalda a la vida. Se rinde. Precisamente ese es el título de esta fotografía: "Rendición".

Estoy muy orgulloso de esta fotografía y le tengo mucho cariño. Por eso la considero mi primera foto, porque a partir de ella, comencé a ver la fotografía de otra manera, como un medio de expresión potentísimo. Fue cuando decidí que tarde o temprano viviría de esto. 

Escrito por: Tino Gómez Romero.



lunes, 28 de noviembre de 2011

El Miliciano Muerto?


Haciendo limpieza entre algunos apuntes de otros años, tenía apuntado en uno de los márgenes el nombre de “Miliciano Capa” me llamó la atención y lo busqué en internet. Cual fue mi sorpresa el encontrarme esta foto y toda la historia que esta fotografía trae.




La famosa fotografía la hizo Robert Capa, y se titula Muerte de un Miliciano, originalmente Death of a Loyalist Soldier (1936). Aunque también se conoce a veces simplemente como Falling Soldier. La fotografía “El miliciano muerto” muestra el momento del desplome de un soldado ante el “supuesto” impacto de una bala enemiga. Lo que tal vez es menos conocido, es que encierra una historia compleja y controvertida, rozando incluso la leyenda urbana. Esta imagen ha sido calificada por los historiadores de la fotografía y por los propios fotoperiodistas como la instantánea bélica más impresionante y directa de todos los tiempos.

La foto fue publicada por primera vez en la revista Vu, para la cual Capa estaba cubriendo la guerra española, el 23 de septiembre. Curiosamente, a pesar de ser su foto más famosa, Capa nunca hablaba de ella, y se sentía responsable de la muerte del miliciano, identificado como Federico Borrell, alias Taino, un alcoyano muerto en el cordobés Cerro Muriano.
La teoría más aceptada es que, fue un día tranquilo, y por eso Capa salió con un grupo de milicianos a hacer algunas fotos por los alrededores, realizando varias carreras y simulando un asalto, hasta que de repente sonaron disparos y fueron atacados por tropas nacionales. Algunos sugieren que, dada la postura de Federico (que no parece estar corriendo en el momento de ser alcanzado, ni haber sostenido el rifle en posición de disparo o asalto), éste estaría posando para Capa justo en el momento en que fue alcanzado por un disparo, lo que explicaría los remordimientos del fotógrafo.

En 1975, un libro publicado por el británico Philip Knightley aseguraba que la fotografía era un montaje, basando su afirmación en que ese día apenas hubo actividad en el frente, por lo que Capa salió con varios soldados para hacer algunas tomas, ente ellas la famosa foto.
No obstante todo lo dicho, el que la fotografía sea un posado o una muerte real es algo que ha sido totalmente transcendido por la fuerza de la imagen.

En 2003, Jan Arnorld, hijo de un fotógrafo de guerra, comenzó el rodaje de Los Héroes nunca Mueren, un documental sobre los milicianos y los fotógrafos de guerra, girando en torno a los protagonistas de esta imagen: Federico Borrell García y Robert Capa. 

Detalle curioso: la famosa foto no aparece en el documental, ya que la agencia Magnum y Cornell Capa, el hermano menor del autor, actuales propietarios de los derechos, no dieron su autorización.

Tambien existe un documental sobre esta fotografía llamado La sombra del Iceberg Dirigido por Hugo Doménech y Raúl M. Riebenbauer.

Parámetros técnicos de la fotografía:
Formato de la fotografía: 38,8 x 48,8 cm en la copia original. A ½ página en el semanario francés Vu
Cámara: Leica III (G)
Soporte: En gelatina de plata sobre papel
Objetivo: Elmar 50 o 35m


Robert Capa

Revista francesa Vu
Los Héroes nunca Mueren (Jan Arnold- 2003)





Para aquellas personas que les haya resultado interesante, he encontrado un video dónde discuten sobre si la fotografía fue real o por el contrario todo fue un montaje. (La noticia empieza en el minuto 9:14.) Y un trailer del documental La Sombra del Iceberg




Espero que les haya gustado mi pequeña aportación ha este fantástico Blog. Y ¿Ustedes que pensais? ¿Realidad o Ficción?

Paloma Ruiz

El surrealismo en la fotografía.

Hola compañer@s, me estreno en el blog hablando de una corriente fotográfica que poco a poco me ha ido cautivando, siempre he sido de los que miran hacia atrás en el tiempo para tener una idea más certera del presente e incluso para vislumbrar el futuro. El caso es que en esa mirada retrospectiva relacionada con la fotografía, me he topado con la corriente a la que me vengo a referir, se trata del Surrealismo.

Como sabéis es un movimiento artístico que surgió en Francia en los años 20 en torno a la personalidad del poeta André Bretón.




Aquí lo tenemos fotografiado por Man Ray, y así aprovechamos para enlazar con el tema fotográfico que es donde vamos a centrarnos.

La fotografía surrealista surge en el momento en que la fotografía se despreocupa de su condición artística, desligándose de los planteamientos estéticos tradicionales, para adquirir un estatus creador, convirtiéndose así en un medio de expresión para todos los creadores transgresores de los años veinte y treinta afiliados a este movimiento.
Lo que el modelo fotográfico absorbió del surrealismo fue fundamentalmente su modo de operar y proceder en imágenes mediante la articulación inconsciente de la realidad, para ello se sirvió de dos procedimientos: las fotografías manipuladas o surrealismo técnico, y las que no fueron manipuladas, o surrealismo encontrado.
Con respecto a la fotografía manipulada fueron varias las técnicas inventadas para transmitir conceptos surrealistas como el automatismo y la libre asociación de ideas.
Para comprender cómo la fotografía puede traducir éstas ideas surrealistas hay que recordar que la manipulación de la imagen es plenamente aceptable en cuanto a que se rompe las reglas de la realidad y libera la invención y la creatividad. Se producen así extrañas formas que rozan lo onírico y que ayudan al incosciente a aflorar por medio de los sentidos.
El fotomontaje y el fotocollage proporcionaron más riqueza a las técnicas surrealistas con yuxtaposiciones de objetos altamente divergentes o creando un nuevo tiempo o espacio, lo que era el armazón que producía repentina y físicamente nuevos significados reveladores. Así que no es de extrañar que el propio André Bretón dijera que el fotomontaje era una verdadera fotografía del pensamiento.

Al principio de los años veinte, la fotografía era concebida por la sociedad como una transcripción literal de la realidad y, pese a que parezca que esto no puede aportar nada al surrealismo, será este aspecto precisamente lo que reutilizarán los surrealistas para su provecho, puesto que una fotografía tenía más credibilidad que una pintura a la hora de representar un sueño o cualquier otra imagen que evocara al inconsciente, y así puede incitar más, por su aspecto de realidad, a despertar la conciencia.
Mediante la fotografía, el surrealista era capaz de reinventar el mundo, de trastocar las referencias situandonos en un nuevo espacio de representación extraño y ajeno al que una vez sirvió de referencia en el acto de fotografiar el objeto. Y es que la realidad se transforma en una visión diferente de si misma por medio de la fotografía.
Lo que se pretende en la fotografía surrealista es que el objeto se recree en la imagen para convertirse en una versión diferente de si mismo, una imagen distanciada de su apariencia normal pero sin perder su conciencia propia, haciendo de filtro evocador del inconsciente en el espectador que mira la fotografía.

Bueno espero que os haya gustado y que al menos os despierte algo de curiosidad, a mi me parece un mundo increíble en el que seguir profundizando.

Os dejo con un vídeo donde podemos ver algunas obras del fotógrafo más representativo de este movimiento Man Ray.





Un saludo.



Alejandro Guerra Diaz.

domingo, 27 de noviembre de 2011

Foto y vídeo en 360º

Quiero compartir con todos las diferentes formas de hacer fotos y vídeos en 360º, normalmente  requiere un cierto trabajo en la captura y el postproceso, y funciona mejor con angulares extremos, algo de lo que no disponen muchos aficionados. Así que os presentaré algunas formas al alcance de tod@s.


Empezamos por la curiosa pelota con 36 cámaras de dos megapíxeles incrustadas. La idea es tan simple que tiene que funcionar: la lanzamos al aire, y las 36 fotografías se toman de manera simultánea cuando la cámara ha llegado al punto más alto, justo antes de empezar a caer, gracias al uso de un acelerómetro integrado. Esto nos permite hacer panorámicas completas sin tener problemas con las patas del trípode, o con los objetos en movimiento.

Ya en casa, un puerto USB integrado nos permite descargar las fotos y verlas desde un software de visualización de panorámicas. Como podéis ver en el vídeo, la exposición no es la misma en todas las fotos y se notan ciertos “parches”, además de una distorsión algo exagerada, pero…esto es para pasar un buen rato y no para hacer un trabajo profesional.



También un curioso “artilugio” que no es otra cosa que una cámara lomográfica, de película de 35 mm, con un soporte para agarrarla con comodidad. Incorpora una anilla que sirve para tirar de un cable y en una fracción de segundo la cámara gira sobre su propio eje y toma una fotografía de 360º. Está inspirada en un concepto futurista de los ochenta, sólo que actualizado (más en marketing y materiales que en otra cosa) y que se ofrece con una película especial para sacar curiosas y divertidas panorámicas.

La cámara es totalmente manual (no necesita baterías) y tan fácil de usar que resulta casi increíble, ya que, además, utiliza una película estándar de 35 mm. Con un rollo de 36 exposiciones puede conseguir hasta 8 panorámicas de estas características. Posee un enfoque fijo desde 1m hasta el infinito y una apertura f/8, f/16.

Su precio es de 125 euros (desde 139,56 euros en varios packs con rollos de película).



Por último, y no a un módico precio, amantes del iphone 4, GoPano micro es un accesorio que permite grabar contenidos en 360 grados sin necesidad de cambiar la orientación del móvil.

El resultado parece ser bastante bueno, a pesar de la lógica deformación de la imagen, y podemos destacar la posibilidad táctil de movernos en ambas direcciones captando la escena que tenemos alrededor a nuestro antojo. Podeis verlo en funcionamiento:



Como podemos ver en el vídeo también existirá una opción para controlar de forma remota la orientación de la cámara. GoPano micro viene acompañado de su propia aplicación de reproducción, y mecanismos para compartir nuestros contenidos en la red.


Para la sujeción de GoPano micro es necesaria una funda especial para el teléfono donde se acomoda esta especie de periscopio, de forma que podemos quitarlo o ponerlo con facilidad a la hora que vayamos a utilizarlo. 

Este tipo de objetivo no sólo esta disponible para la conocida marca de móviles, los objetivos GoPano de la compañía EyeSee360, que si bien no son precisamente baratos (hablamos de unos 700 dólares), tienen la ventaja de poder adaptarse a casi cualquier cámara, usando adaptadores y anillos conversores de diversos tipos capaces de hacer este trabajo en una única toma, captando de un vistazo todos los ángulos de visión posibles.

Objetivo GoPano 

Publicado por Sergio Zambrana

La película de la semana!!

Saludos a todos! soy Jorge Barea y os presento mi aportación a este, nuestro querido blog. Mi afición por el cine se remonta a tiempos inmemoriales, pero desde hace ya algunos años me he ido especializando en ver un tipo de cine concreto; el cine cutre.

Siempre he pensado que una buena manera de aprender a hacer algo es aprendiendo que no debes hacer. La película que hoy os recomiendo está cargada de elementos de esos que nos hacen pensar "¡¿de verdad no se daban cuenta de lo que hacían?!".

Se trata de...

MANOS: THE HANDS OF FATE.

 Qué deciros de esta asombrosa obra audiovisual...lo primero, que fue producto de una apuesta entre un vendedor de fertilizante y un guionista.
Warren, el vendedor de fertilizante, apostó que sería capaz de crear una peli de terror sin apenas presupuesto...y desde luego que la creo.


Su presupuesto no llegaba a los 20.000$, y para el reparto empleó a un grupo de personas de un teatro local y una agencia de modelos, prometiendo una parte de los beneficios de la película debido a su carencia de fondos. Nadie cobro nunca nada..


Mi personaje favorito; Torgo el Fauno.
La película fue filmada en 16mm. con una cámara que solo podía grabar durante 32 segundos, lo cual explica el por qué de los continuos fallos de continuidad. También hay errores en correcciones de foco mal realizadas, dando de si magníficos ejemplos de lo que es un fallo de racord. La cámara no registraba sonido, así que todos los efectos sonoros y diálogos fueron doblados más adelante en postproducción por unas pocas personas, el propio Warren incluido (ojo a la voz de la niña en la película, los rumores dicen que el mismo la dobló)

Debido a la falta de presupuesto, las piernas de "cabra de Torgo, el siervo de "El Maestro", se hicieron rellenando los pantalones con goma-espuma y haciéndolo caminar de forma extraña (que fuese hasta las trancas de LSD le ayudó bastante). Todo esto acompañado de una épica banda sonora. 
Los rodajes de noche se complicaron mucho al atraer a toda clase de insectos con los focos. También hay planos en los que el movimiento de los actores se limita por el escaso alcance de los focos. 

La película solo fue proyectada una vez. Después se recuperó para la emisión en TV.                                      
Francamente, para mi, la peor película de la historia.   
Es tan mala que es genial!! 88% recomendada!!. Un saludo!!




                                               
                                                                                                                

sábado, 26 de noviembre de 2011

LA REINA (PARTE PRIMERA)

No quiero moverme de esta cama tan confortable.Las vistas desde este ventanal son tan impresionantes que podría quedarme así para siempre y no pasaría absolutamente nada.El mundo podrá seguir girando y yo sólo sentiré este instante como el ungüento que calma esta pena que no se va da de mis entrañas,de este corazón que llora desconsolado y de este alma mía que no habita en paz desde que te marchaste.
Las pocas noticias que me llegan no son nada alentadoras y tengo la sensacion que no volveré a verte mas y me niego a que este situación entre los dos quede de esta manera.Creo que todavía tengo palabras que decirte,palabras cargadas que se quedaron en mi boca sin ser dichas y tengo que darles la oportunidad de que puedan llegar a tus oídos para que sepas que siempre te querré y que siempre te honrraré aunque tu sólo me vieras como aquello que querias evitar.

Esta cama esta desolada,vacía,huele a tu ausencia pero aun así no me movería de aquí.La ciudad esta cada vez mas revuelta y los asesinatos llenan las calles.Es muy peligroso para mi desplazarme y los altos cargos me presionan para que tome una decisión, pero estoy intentando ser fuerte y no se que hacer, pero tengo la certeza que mi cabeza tiene un precio, me quieren en el exilio, y yo lo unico que quiero es sentir tus abrazos, que vengas a rescatarme,que me digas que todo puede ir bien,que todavía tenemos un mañana aunque sea mentira.Se debería volver a empezar,como una oportunidad de ir por otro camino...

RELATO "LA REINA (PARTE PRIMERA)".

Escrito por LVA

All you need is... ENFOCARTE


Bueno, aprovechando mi pasión al grupo británico The Beatles, he pensado que mi primera entrada en este blog sea sobre su mítica fotografía de Abbey Road.
Como imagino todos habréis visto esta fotografía, yo la veo todos los días puesto que tengo un poster de ella encima de mi cama. Pero quizás no todos sepáis algunos datos de interés, de los que sinceramente yo desconocía hasta ahora que he buscado la información para esta entrada. 

La portada fue diseñada por John Kosh, el director creativo de Apple Records. Y su fotógrafo fue Iain Stewart Macmillan, que colocó la cámara en medio de la calzada e hizo que los Beatles recorrieran cuatro veces el paso de cebra en ambos sentidos mientras disparaba la cámara múltiples veces.En la publicación original para Reino Unido no se muestra el nombre de la banda ni el título del álbum.
La portada se equiparó a la del Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band en el número de veces que ha sido imitada, aunque su elaboración fue esencialmente fruto de la improvisación.
El título del álbum hizo honor a la calle de Abbey Road, en la ciudad de Londres, lugar en donde se encontraban los estudios de grabación en los cuales los Beatles habían grabado casi la totalidad de sus canciones. Posteriormente, en 1970, los propios estudios de grabación adoptarían el nombre de la calle donde se encontraban. El LP iba a llamarse inicialmente Everest, en honor a la marca de cigarrillos que solía fumar el ingeniero de sonido Geoff Emerick. De hecho, se había planificado un viaje al Himalaya para fotografiar la portada, una idea que fue finalmente desechada
Abbey Road era una calle con bastante tráfico, y por ello tan solo se pudieron sacar en un tiempo limitado 6 fotos de las que tenía que salir la portada del disco. El Volkswagen Escarabajo que aparecía en la foto solía estar aparcado en ese sitio muy a menudo, y era propiedad de alguien que vivía en los pisos de al lado del estudio. Después de aparecer el coche meses más tarde en la portada del álbum, su matrícula (LMW 281F) sería objeto de numerosos robos por parte de los fanes. En 1986, el coche fue vendido en subasta por 2.530 libras esterlinas, y en 2001, fue mostrado en un museo de Alemania. El hombre parado en la acera, a la derecha de la imagen, es Paul Cole, un turista estadounidense que no se había percatado que había sido fotografiado hasta verse en el álbum meses después.
Los trajes con los que salían los Beatles en la foto del disco eran los típicos que solían usar por aquella época los cuatro cantantes. McCartney, que vivía bastante cerca de los estudios de grabación, había llegado ese mismo día de la foto con sandalias al trabajo, y, de hecho, en algunas de las otras fotos tomadas ese día se le podía ver caminando llevándolas consigo puestas. Tommy Nutter se encargó en el vestuario de tres integrantes de la banda, salvo George Harrison que fue fotografiado con su traje jean.
La contraportada del LP mostraba la placa con el nombre de la calle donde se habían realizado las fotografías, y que llegaría a desaparecer con el tiempo de aquel lugar en la muralla. La palabra «Beatles» se añadió posteriormente a una foto de otra placa tomada también por Ian McMillan, y con la cual se hizo después el fotomontaje de la contraportada, quedando asimismo en ella la figura borrosa de una joven que se había pasado delante del objetivo de la cámara del fotógrafo en el momento de tomar éste la foto.
La imagen de los Beatles en el paso de cebra se ha convertido en uno de los más famosos e imitados en la historia musical. El paso de cebra es un destino popular para los fans de los Beatles, y ahí mismo está incorporado una cámara web.  En diciembre de 2010, el lugar recibió el grado Monumento Clasificado por su «importancia cultural e histórica», los estudios Abbey Road también recibió una categoría similar a inicios del año.
Si analizamos la imagen vemos a John Lennon, Ringo Starr, Paul McCartney y George Harrison cruzando de izquierda a derecha la calle. Todos de perfil. Lennon tiene las manos en los bolsillos de su pantalón de traje blanco, y sólo McCartney sobresale un poco, porque está descalzo, no va al mismo ritmo y tiene un cigarrillo en la mano. Pero este detalle, el cigarro en la mano derecha, no pasó desapercibido para los entendidos. A partir de aquí surgen las especulaciones.
La fotografía de los Beatles cruzando Abbey Road no se quedó en la instantánea. Trajo consigo una gran polémica sobre su significado y una, ya famosa, leyenda urbana.

Se dice que Paul
McCartney sufrió en 1967 un accidente automovilístico, la noticia salto en la radio, y hubo una gran conmoción en pocas horas, pero lo más estrafalario de esto, es que el propio Paul llamo para desmentirlo.
En la imagen, Paul McCarney camina descalzo en descoordinación con el resto de sus compañeros, y sostiene un cigarrillo con su mano derecha, algo que ha resultado sospechoso para muchos de sus seguidores, que sabían que el músico era zurdo.
La observación llevó a muchos a pensar que la fotografía se realizó después de la muerte de McCarney, y que el personaje que aparece en ella es su doble.
Los afines a esta teoría consideran que la imagen es una especie de homenaje de sus compañeros y que simbolizaría un cortejo fúnebre: John Lennon, vestido de blanco, representaría a un sacerdote; Ringo, de negro, asumiría el papel del amigo que viste de luto; y George Harrison, en vaqueros, representaría al enterrador.
El número de la matrícula, 051351, y las letras LMW podrían interpretarse como "Linda McCartney widowed" (viuda).
Sea cierto o no, esta foto ha tenido una gran repercusión, convirtiéndose en una de las fotografías más copiadas e imitadas, aquí dejo varios ejemplos:



Espero que os resulte interesante esta información, de este modo ya hemos aprendido un poquito más.

Laura Falcone